Si ahora os preguntara quién es Drew Struzan, estoy convencido de que muchos de vosotros no sabríais quien es… ¡Eh!... ¡Prohibido mirar en Google!!!... Del mismo modo, si os dijera que os habéis criado con este artista desde que erais unos críos, me miraríais con cara extraña.

Seguid leyendo y sabréis de lo que hablo.


Estaba yo el otro día haciendo la limpieza profunda anual de las estanterías de mis cómics (momento que aprovecho para reorganizarlos todos) cuando me topé con un libro que compré hace mucho tiempo: "El Arte de Drew Struzan".

Como no podía ser de otro modo, lo abrí y volví a disfrutar de las maravillosas ilustraciones y carteles de este artista nacido en Oregón City, en 1947, que comenzó su carrera artística tras matricularse a los dieciocho años en el Art Center College Of Design de Los Angeles, realizando varias portadas de discos para Roy Orbison, los Beach Boys, Black Sabbath, etc…

Hasta que en 1975, empezó su relación con el mundo del cine, que es por lo que más se le conoce.

La obra de Struzan tiene un estilo muy particular y único, que posteriormente ha sido imitado por otros autores. Del mismo modo, sus imágenes son capaces de condensar la esencia misma del film y hacernos una especie de resumen de lo que nos vamos a encontrar en la historia de la película.

Todas sus piezas se caracterizan por su impecable realismo y, en la gran mayoría, las composiciones suelen tener una o dos figuras grandes (o retratos) como elemento principal y elementos secundarios distribuidos de forma perfecta por la composición, narrando hechos puntuales de la historia.

En la actualidad apenas realiza obras y se puede decir que está prácticamente retirado, ya que la intrusión del arte digital y el Photoshop ha apartado de la vida artística a un hombre que siempre ha trabajado a mano, con referencias fotográficas y con la perfecta artesanía que le dieron tantos años de experiencia (más de treinta).

Sus carteles son considerados arte y sus obras se estudian en las universidades… Y no sabéis la pena que me da no haber podido ir a una de esas universidades para estudiarlo.

Y como he hablado demasiado y lo mejor es que hablen las imágenes, aquí os dejo una serie de posters para que comprobéis como Struzan ha formado parte de vuestra infancia y de vuestra vida sin haberlo sabido.

Por cierto... ¡Al que acierte el nombre de los pósters de las veinticuatro películas, le vamos a dar unas palmaditas en la espalda y un bono para comprar un chupa-chups!!!

Nos vemos.






Y como regalo final, el trailer del documental "Drew: The Man Behind the Poster"... Un avance para que se os haga la boca agua (si es que os gusta la pintura y la ilustración, claro).

El otro día fui con un amigo a ver Big Eyes, la última película de Tim Burton con una sensación en el estómago muy poco agradable, más que nada porque los últimos films de este director (Frankenweenie, Sombras Tenebrosas, Alicia en el País de las Maravillas,…) no me habían enganchado para nada y no me apetecía gastarme el dinero en ver de nuevo esa escenografía extraña y típica de Burton, mezclada con esas historias igual de raras.

Sinceramente, me alegró (y sorprendió) no encontrar nada de eso en la película (salvo en determinados y puntuales momentos), así que salí de la sala de cine, aunque no exuberante, sí contento por haber visionado un film muy entretenido (además si tenemos en cuenta que al final mi amigo pagó las entradas de cine, no os hacéis ni idea de lo feliz que pude salir de allí).


Big Eyes nos cuenta la historia (basada en hechos reales) del  matrimonio de pintores Keane. Por una parte nos encontramos con Margaret Keane (interpretada de forma magistral por Amy Adams) que es una artista muy tímida, con poca personalidad y fácilmente manipulable, que fundamentalmente se dedica a pintar cuadros de niños solitarios con ojos grandes y por el otro lado tenemos a Walter Keane (también genial, Christoph Waltz), un vendedor inmobiliario y artista aprendiz, pero con enormes dotes comerciales, embaucador y sobre todo un visionario, que se atribuía la autoría de los cuadros de su mujer, con la excusa ante su esposa de que la gente jamás compraría la obra de una mujer.

Esta mentira inicial fue creciendo año tras año hasta alcanzar unas dimensiones demasiado gigantescas y, por consiguiente, grotescas hasta resultar increibles.

La "obra" del "artista" Walter Keane apareció en la revista Life y también realizó retratos para actrices famosas de la época como Kim Novak, Zsa Zsa Gabor, Natalie Wood y actores como Robert Wagner o el cómico Jerry Lewis y su familia, vestidos como arlequines.

Si me he referido a Walter Keane como visionario, ha sido más por el punto de vista comercial que tuvo del arte, es decir, cada cuadro que realizaba su mujer (que él hacía pasar por suyo) era difícil de vender y más si, por ejemplo, costaba cien dólares (esta cifra me la acabo de inventar, pero es para poner un ejemplo). Sin embargo se percató de que, aunque no vendiera un lienzo de cien dólares, sí que podía vender cientos de reproducciones en papel de ese lienzo al precio de cinco dólares.

El beneficio y la diferencia económica era abismal.

Y entonces el mundo del arte se revolucionó, porque cualquier ciudadano podía tener colgada en la pared de su casa un “cuadro” por apenas unos pocos dólares.

Walter Keane fue uno de los pintores con más éxito durante la década de los 50 y comienzos de los 60 (robando la autoría de las obras a su mujer) y la película abarca los años desde que Margaret abandona a su primer marido, conoce a Walter y termina denunciándolo, en un juicio de lo más pintoresco (os puedo asegurar que la gente del cine se descojonaba de la risa con esa secuencia en particular).

Como ya he dicho al principio, yo salí contento de la sala de proyección porque la película, aunque con alguna “Tim-Burtonada” que en nada hace frenar el ritmo del film, sabe hacerse entretenida, apoyándose sobre todo en un guión sencillo pero efectivo y, sobre todo en las actuaciones de Amy Adams y Christoph Waltz (en algún sitio he leído que Waltz se “merienda” a Adams, aunque en mi opinión es ella la que soporta toda la carga interpretativa del film y la que supera con creces la interpretación de Waltz).

Por otro lado, la banda sonora compuesta (¡como no!) por Danny Elfman, cumple de sobra con su cometido y te sabe meter de lleno en ese extraño “ambiente” generado por el matrimonio a la vez que con unos leves trazos musicales te transporta a la década de los 50.


La verdad es que os recomiendo esta película si queréis pasar un rato entretenido con algo cuyo argumento no gire en torno a los tiros o a la acción desmesurada, aunque eso sí… No esperéis encontraros con una obra maestra, sino con un entretenimiento relajado.

Nos vemos.

Vamos a ver como explico yo lo que me ha parecido la última película de Noé, de Darren Aronofsky, para que nadie se sienta ofendido...

¡¡Es la mierda más grande, pinchada en un palo que he visto en mucho tiempo y más mala que pegar a un padre con un calcetín "sudao"!!

Tras esta excelsa muestra de diplomacia y saber estar que me caracteriza, paso a enumerar las razones por las que dicho film despierta en mí tales sentimientos (o sea, que os voy a contar los motivos por los que este truño de película me parece infumable).


En primer lugar con Darren Aronofsky, este director tan "guay", me pasa algo súper curioso: No me atreveré a negar jamás sus cualidades como director de actores, porque ya lo hizo con un "bandarra" como Mickey Rourke, haciéndole interpretar un papel como Dios manda en la película El Luchador. Pero es que en su siguiente film, los productores le dieron un montón de dinero y con ese presupuesto de la leche "parriba" y unos actores más que decentes y en la cresta de sus carreras, como Hugh Jackman, va y Aronofsky nos suelta el bodrio de La fuente de la vida.

¿Pero esto qué es???

¿Diriges maravillosamente bien a actores de medio pelo y cuando te dan diez veces mas medios en tu siguiente proyecto la cagas?

Algo haces mal, chavalín.

Y si os habéis percatado de mi educada introducción, habréis llegado a la conclusión de que Noé pertenece al grupo de películas "truñeras", en al que a Darren le dan todo el presupuesto y a los mejores actores del mundo para perpetrar un engendro en el que el director se quiere lucir y convertirse en un intelectual profundo del celuloide, creando un "ñordo" infumable.

Y lo peor de todo es que Noé tenía todas las papeletas para enganchar tanto a fans de la ciencia ficción como del cine biblico. Me explico...

1.- Noé consta de un megapresupuesto y de un argumento al que se le puede sacar mucho partido con los millones de 1dólares invertidos en ella... ¡Joder, es el diluvio universal!!!... ¡Eso sí que es una catastrofe y no la mierda de los mayas de 2012!!!

2.- Han ido a escoger a un actor que encaja perfectamente en el papel princial, ya que si Russel Crowe no es el actor mas indicado para interpretar cine épico,  que venga Dios y lo vea (o sino, que le pregunten a Ridley Scott, que también es como Dios y supo sacar partido a la megaestrella australiana en Gladiator).

3.- En los elementos de ciencia ficción del film, se promete muchísimo al espectador con los Hijos de Cain y con unos monstruos gigantes de piedra de lo mas aparente (que más parecen Transformers, que otra cosa).


4.- El guión nos intenta sumergir en la torturada mente de Noé, mostrandonos el lado oscuro en el personaje.

Entonces con todos estos ingredientes... ¿Cómo demonios ha podido salir un bodrio de campeonato si se tienen todos los elementos "pa" poder triunfar???

La respuesta es muy sencilla: Darren es un intelectual (de pacotilla, si se me pregunta) y por lo tanto, lo que debería ser algo genial se convierte en...

1.- El diluvio: Se pasa por él de puntillas. Se ven caer cuatro gotas, una ola un poco más grande que las demás y ya está.

2.- Russell Crowe: Tras terminar el film, uno no sabe si su papel de Noé es el de un psicópata desquiciado, el de un padre amante, el de un profeta... O el de una madre soltera de Wisconsin.

3.- Ciencia ficción: Los hijos de Cain son básicamente medio lerdos y los monstruos gigantes de piedra se quedan en mera mano de obra barata "pa" la construcción del jodido arca, lo cual me genera la siguiente pregunta... Si los gigantes construyen el arca y los animales acuden a la nave ellos mismos... ¿Qué demonios se supone que hace Noé?... Ah, ya me acuerdo. Hace de madre soltera de Wisconsin.

4.- La torturada mente de Noé: El director, para "intelectualizar" la mente de nuestro héroe, consigue que el encargado de interpretarlo (o sea, crowe) se haga la picha un lió, dejando al espectador sin saber con qué carta quedarse... Si a eso le añadimos el ridículo espectáculo de ver a Sir Anthony Hopkins haciendo el chorra, caracterizado como el amo del calabozo y buscando bayas silvestres pues... Eso... Ridículo...

A parte de estas "anchoas" y otras que me vienen a la cabeza, merece la pena destacar el vestuario del film, que me resulta espantoso ya que los personajes parecen sacados de una explotation italiana de Mad Max... Y si a eso le añadimos que el ritmo de la película es leeeeento y todo resulta aburiiiiido...

¿Qué queréis que os diga?... Si a mí como espectador me venden Noé como un blockbuster y al final resulta que no lo es, pues como me siento "estafado" porque me han "robado" el precio de las entradas... ¡Y eso no tiene perdón!!!

Nos vemos.

Los días 21, 22 y 23 de Noviembre tuvo lugar en Las Arenas (prácticamente al lado de mi casa) la XIII Edición del Salón del Cómic de Getxo, un evento al que acudieron cerca de 21.000 visitantes, lo cual demuestra la buena salud de la que dispone este medio cultural.


En estos tres días, la gente pudo visitar los stands de venta de comics (que nunca deben faltar en un sitio como este) y participar de las actividades que tuvieron lugar.

Este año cabe destacar la visita de autores tan importantes como Kevin O’Neill (dibujante de La Liga de los Hombres Extraordinarios y de la tan polémica en su momento, Marshall Law), Carlos Pacheco (Flash, Superman, Los Vengadores, Los 4 Fantásticos…), Emma Ríos (autora del cartel de esta edición del Salón del Cómic y dibujante de Hexed, Runaways, Doctor Extraño, Bella Muerte,…) y mi admirado Jordi Bernet (Torpedo 1936, Clara de Noche, Custer, Historias Negras, Jonah Hex, American Vampire,…), uno de los dibujantes españoles con mayor renombre en el panorama del cómic internacional.

De estos dos últimos autores hay que destacar la exposición de originales de Emma Ríos y el homenaje que se rindió a Jordi Bernet (creo que no hace falta que diga que la foto que he puesto no pertenece a ese evento). También se realizó una exposición celebrando los cincuenta años de Mafalda.

Este año, Tito Emde y yo fuimos al Salón el Viernes, a las pocas horas de inaugurarse el evento, y la verdad es que entramos de la misma, estando muy a gusto allí, disfrutando de los stands, hablando con profesionales del medio y (¡como no!!!) comprando algún cómic que otro.

El sábado a la tarde volví al Salón, esta vez acompañado por mi sobrino de doce años, pero esta vez había que hacer una cola de casi una hora para poder entrar… ¡Alucinante la cantidad de gente que querría disfrutar del Salón!!!

Por suerte, tenía en mi poder unas invitaciones, así que entramos sin tener que esperar a hacernos con un par de entradas. Como no podía ser de otro modo, ese día también me compré unos cómics a los que había echado el ojo el día anterior y lo más importante: Intenté que mi sobrino disfrutara del ambiente para que en el futuro también se haga un coleccionista de cómics como yo.

La verdad es que ver a tanta gente en el Salón me alegró un muchísimo, pues es síntoma de que goza de buena salud y por lo tanto, que podré disfrutar de sus novedades hasta el día que me muera.

¡Hasta otra!!!

Corría el año 1941 cuando los historietistas Joe Simon y Jack Kirby creaban para la editorial Timely Comics al personaje del Capitán América, un hombre normal que, tras recibir un suero especial, se transformaba en un supersoldado que lucharía contra los nazis en una de las guerras más crueles que haya realizado el ser humano.

Pues bien, poco más de setenta años después (concretamente en Abril del 2013), el guionista Kieron Gillen y el dibujante Caanan White idearon Über, otro cómic de supersoldados durante la Segunda Guerra Mundial, pero esta vez publicado por la editorial Avatar Press, el sello de cómics sin censura por excelencia.


Über está concebida como una serie abierta que, según sus autores, constará de aproximadamente sesenta números, de los cuales ya se han publicado diecisiete. La historia de este cómic nos introduce en una ucronía en la que, durante la Segunda Guerra Mundial, los nazis han descubierto la fórmula para crear cientos de supersoldados para llevarlos al combate.

La acción nos sitúa en los últimos días del III Reich, cuando Berlín está a punto de caer bajo los ataques de las tropas soviéticas y norteamericanas. Pero cuando todo parece perdido para Hitler, el general alemán Sankt aparece con un nuevo cuerpo de súpersoldados (los Panzermensch y los Übermensch) que cambiarán el rumbo del conflicto.

Estos supersoldados, creados gracias a la ciencia y a la "mística", han desarrollado unas habilidades que los convierten en armas humanas de destrucción masiva, con ataques de halos de energía, que aniquilan batallones enemigos, compañías de tanques y escuadras de bombarderos con insultante facilidad.

Como ya hemos dicho, este cómic pertenece al sello Avatar así que, ante la falta de censura, imaginad la cantidad de vísceras que vamos a ver.


¿Y cómo se crean estos súpersoldados?... De la forma más macabra posible...

Sólo una muy pequeña parte de la población es capaz de soportar los cambios físicos que transforman a un hombre normal en un supersoldado, pero como no hay mucho tiempo (la guerra apunta a su final), se decide hacer pruebas masivas en voluntarios, ciudadanos, soldados, etc... Con sangrientos resultados...

Todos aquellos que no lo consiguen ven como sus cuerpos se desangran, se derriten, explotan...

Pero para que una guerra esté equilibrada, debe existir otro bando con iguales fuerzas que el oponente así que, de igual modo que los nazis, los ingleses también poseen la fórmula (robada a los alemanes al principio de la historia) y la usan con su propio ejército para obtener nuevo armamento súperhumano con el que poder hacer frente a las fuerzas enemigas.

Y como no podía ser de otro modo, al final todos los implicados en la guerra tienen la fórmula: Los japoneses y los americanos

El guión de Über navega entre las historias de espionaje y las típicas aventuras del cómic de guerra de Hazañas Bélicas, aunque con toques gore de tripas volando por el aire y los “efectos especiales” propios del género superheroico (en este caso, el "halo" de los soldados).

Esta creación de Kieron Gillen (el tipo gafoso de la derecha) es muy entretenida, aunque sin profundidad, ya que Über está concebido para ser divertimento puro y duro del lector, buscando como base la violencia más descarnada y el salvajismo típico de la guerra.

Por la parte artística, el dibujo de Caanan White (el tipo de la izquierda... no quedaba nadie más en la foto) es todo lo explícito que pide este tipo de cómic y cumple con su cometido de sobra, llenando de detalles escabrosos las escenas de las viñetas que lo requieren y aportando una buena ración de escenarios de fondo y explosiones de todo tipo.

Por cierto, dentro del apartado gráfico resulta genial ver las portadas alternativas de este cómic (algo a lo que nos suele tener muy habituados Avatar Press) que nos muestran desde imágenes gores en exceso hasta geniales dibujos a lápiz y sin entintar. Estas últimas son mis preferidas.



De momento esta obra no se puede encontrar a la venta en España, así que al que le interese tendrá que buscar en Internet para bajarse las tradumaquetaciones de rigor (muy bien realizadas, por cierto).

Personalmente os recomiendo este cómic si queréis pasar un rato muy divertido, violento y sin buscar profundidades temáticas de ningún tipo, pero sobretodo, os lo recomiendo si os gustan las ucronías en las que los autores nos muestran un mundo diferente en el que querríamos ver un “¿qué pasaría si…?”.

¡Hasta otra!!!

Por si alguien no lo sabe (cosa que dudo) nos encontramos ante la segunda parte de La Purga: La Noche de las Bestias.

No sé si habéis visto la primera parte, si no es así no importa porque este film que os voy a comentar no tiene nada que ver con su antecesor. Esto quiere decir que podemos ver perfectamente de forma independiente Anarchy: La Noche de las Bestias, que además es infinitamente mas entretenida que la mencionada primera parte.



¡Al loro!!!... Digo que es más entretenida y no mejor, ya que en mi opinión los estándares de calidad de ambas no son para tirar cohetes.

Bueno, para el que no sepa de qué va la movida de La Purga (o Anarchy, me da igual) se lo explico... Y para el que la sepa, le refresco la memoria.

En un futuro cercano, los Estados Unidos están sumergidos en una crisis económica e institucional sin precedentes (¿os suena de algo esta situación?), el crimen arroja cifras nunca vistas y el paro se sitúa en un 20%.


Esto que para los estadounidenses es motivo para hacer una película apocalíptica, para nosotros son las cifras diarias que manejamos en nuestra España "cañí".

En fin, que los estadounidenses están a punto del colapso y la guerra civil, pero aparecen "los nuevos padres fundadores" con un paquete de medidas que ríase la Merkel.

Lo cojonudo es que estos nuevos padres salvan al país aplicando una medida extrema y a la vez terrorificamente práctica: La purga.

¿Y en que consiste la purga?

Muy sencillo, una noche al año el crimen no está penado.

¿Qué se consigue con esto? Pues que el que no tenga dinero para instalar un buen sistema de seguridad en su casa, palme sí o sí (o sea, lo de siempre: los pobres a "pringar") y eliminando a los pobres, se logra el equilibrio social que demanda el ultracapitalismo.

La primera parte de La Purga la vi solo porque la premisa me pareció cojonuda. Por desgracia, al final me llevé una decepción de tres pares de cojones porque asistí a un remake bastante flojo de la obra maestra de Sam Peckinpah, Perros de paja.

Imagináos las dudas que tenía cuando me dispuse a ver esta Anarchy.

¿Y qué me he encontrado?

Pues una película que sin ser una maravilla, me ha tenido súper entretenido las cerca de dos horas que ha durado.

Partiendo de la misma premisa que la primera, en este caso el director de Anarchy (James DeMonaco) se ha decantado por imitar a Walter Hill en vez de a Peckinpah, o lo que es lo mismo, la película se acerca mas a The Warriors que a Perros de paja.

En la primera parte nos encontrábamos con una familia que era acosada en su propia casa, en la que tanto Ethan Hawke y compañía, conseguían con sus actuaciones que me importara tres cojones la suerte que corriesen.

Para esta segunda parte, los protagonistas son una madre soltera, su  hija adolescente, una pareja a punto de divorciarse y un padre que quiere utilizar la noche del "todo vale" para vengar a su hijo fallecido.

Atentos a este último personaje que he nombrado, interpretado por Frank Grillo (que ya dio caña como malo en Capitán América: El Soldado de Invierno), porque es un tipo igual de duro que los que poblaban las estanterías de los videoclubs en los dorados años 80.

Sé que soy muy "pesao" con este tema y me repito más que el ajo, pero es que está demostrado que la estrella del cine de acción del nuevo milenio será antes un buen actor con bastantes registros (como el de este film), que un capullo del estilo Statham o Diesel (se nota que les tengo manía ¿eh?).

En fin, al final logras empatizar con los protagonistas y para colmo, la película entretiene muchísimo debido a su endiablado ritmo narrativo, con buenas escenas de acción, etc...

Es cierto que Anarchy: La Noche de las Bestias tiene sus fallos (los tipos de la resistencia al gobierno son de risa, al igual que alguna situación metida con calzador) pero con todo resulta terriblemente entretenida.

En resumidas cuentas: Con sus pros y sus contras, la película resulta de lo mas entretenida y recomendable para verla sin grandes pretensiones.

No os la perdáis si tenéis ocasión de verla.

¿Qué pasaría si solo tuvieras poderes recurriendo a las drogas, el alcohol o la cafeína? ¿Podría un borracho, lleno de cocaína hasta las cejas, ser el salvador del mundo si su cerebro ni siquiera es capaz de discernir lo que está haciendo?



Pues esto es lo que le pasa al protagonista de Buzzkill, un tipo al que conocemos en una reunión de alcohólicos anónimos y que en el primer número nos cuenta cómo empezó a beber y cómo empezó a darse cuenta de que el alcohol le daba poderes (aunque omite a los participantes de esa reunión las consecuencias de sus actos, con gente muerta a su alrededor a la que él mismo ha asesinado aunque no pueda recordarlo).

O lo que es lo mismo: Quiere dejar de beber y drogarse porque con sus poderes hace más mal que bien... El primer episodio (de una miniserie de cuatro, publicada por Dark Horse en Estados Unidos y a la espera de que salga a la venta en España) finaliza con todos los supervillanos del planeta riéndose de esa reunión de alcohólicos anónimos, ya que la han estado grabando sin que nuestro protagonista se diera cuenta.

¿La verdad? Me pareció un comienzo muy divertido, entretenido, "macarrilla" y diferente de lo que había leído hasta ahora en el género de los tíos embutidos en mallas. Y es que los autores de la historia (Donny Cates y Mark Reznicek en el guión y Geoff Shaw a los lápices, los tres novatos en esto del mundo del cómic) nos dejan las pinceladas de lo que va a ser la historia para después desarrollarla de forma muy rápida, pero efectiva, en los tres siguientes números.

Buzzkill tiene de todo en las pocas páginas que componen su historia: Mucha acción, humor y sobre todo mucho entretenimiento de la mano de unos personajes interesantes y divertidos (y en algún momento curiosos y diferentes).

El dibujo de Geoff Shaw tampoco se queda atrás y ayuda en todo momento a las situaciones que nos plantean Donny Cates y Mark Reznicek y el guión.


En definitiva, en Buzzkill nos vamos a encontrar con la “típica” historia de superhéroes a la que se han añadido unos elementos nuevos que la hacen diferente y fresca (aunque se recurra a varios tópicos que funcionan muy bien en este tipo de género).

Una miniserie de cuatro números que, por su corta extensión, os la recomiendo encarecidamente ya que, si no os gusta, se os pasa rápido y si os gusta, os dejará con ganas de más.

¡Y a mí me ha dejado con ganas de mucho más!!!

La pena es que este cómic sólo se puede conseguir traducido a través de Internet ya que, como he dicho antes, no se ha puesto a la venta en España.

Nos vemos.